舞蹈编导脚本

㈠ 编导艺考要准备

编导准备主要包括：文艺常识、影视作品分析、故事写作、方案策划、分镜头写作、编导创意、议论文写作、新闻评论、散文写作等。

（1）文艺常识

文艺常识考察的范围主要是最基础的文学和艺术方面的知识，既包括高中生知识范围内的知识，又包括最基本的生活常识。艺术方面的知识包括音乐、美术、建筑、舞蹈、电影、电视等方面的基础知识，比如油画作品《蒙娜丽莎》是谁的代表作，“圆舞曲之父”是谁，中国最早成立的电视台是哪个等等。

文艺常识的学习没有捷径，背诵是主要学习方法，也通过做模拟试题可以用来巩固自己的记忆成果，完善文艺常识知识点。

（2）影视作品分析

这个考试科目就是让你写评论性的文章，根据给出的影视作品来进行分析。影视作品有电影、纪录片、电视剧、微电影、广告等。一般会现场播放视频，然后写作；有的学校会选择默评，直接给出电影的名字。

（3）故事写作

给出一个题目，然后让你来进行编写故事，也有一些院校会给出你三个关键词，让你根据关键词来编故事，还有的学校会给你一个开头或者结尾，或者一段材料，让你把结尾、开头或者材料加入到你的故事当中去。要写好故事，必须掌握大量的故事素材，以及多加练习。同学们平时还需要多多课外阅读呀。

（4）方案策划

包括电视节目策划、活动策划、晚会策划等，在课程当中，我会通过案例讲解的方式来教学生如何策划方案。策划方案并不难，多看几个案例就可以搞定了，就是那么几个元素。

（5）分镜头改编

这个是最专业的考试内容之一。给你一段文章，可能是小说、诗词、歌赋，也可能是剧本，让你写分镜头脚本。比如考题给出一句诗，“白日依山尽，黄河入海流”，使用6个镜头来表现诗句的意境。

（6）编导创意

编导创意是考察你有没有好的想法，并表达出来你的想法。考题的出题方式很多，总之都是围绕“创意”两个字，例如：广告创意、节目创意、宣传片创意等。考官需要有想象力、新奇的构思。
编导创意可以归为策划方案的写作，因为创意总得需要方案来表达，只不过有的是写作，有的是面试口述。

（7）议论文写作

这个同学们都知道，议论文是高中生必须要掌握的写作文体。

（8）新闻评论

给你一篇新闻文稿，让你写一篇分析文章，考这个科目的院校不多。

（9）散文写作

大多数情况下是让写叙事散文。叙事性散文只有高潮，没有结果，没有议论，一般很受到大家的欢迎。叙事性散文比抒情性散文多一个叙事部分。戏剧影视文学专业考散文写作的学生比较多。

㈡ 高考后艺术生报考什么专业就业前景好

从普通高校招生专业目录和近几年教育部陆续批准的新增专业以及各地组织省级统考的分类来看，艺术类专业主要有：
绘画(油画、国画、版画等)、
表演(音乐表演、舞蹈表演、影视表演、服装表演、表演艺术)、
音乐学(音乐教育、器乐)、
设计与制作(艺术设计、服装设计、工业设计、装饰艺术设计、环境艺术设计、建筑工程设计、装潢艺术设计、电脑艺术设计、产品造型设计、广告设计与制作、多媒体设计与制作)、
广播影视(影视学、导演、摄影、摄像、电视节目制作、广播电视编导、播音与主持艺术、音像制作、录音艺术)、
美术学(美术教育)、
动画、雕塑、音乐科技与艺术、照明艺术、公共艺术、会展艺术与技术以及建筑学、广告学等。
以下是各艺术类专业就业前景分析
戏剧学
前景分析：戏剧学是我国传统而历史悠久的一门学科。在文化艺术日趋繁荣的今天，戏剧学又焕发出新的光彩，又被赋予了新的形式和内容。
本专业毕业的学生主要在剧院(团)、电视台、电影厂、编辑部以及文化管理机关等部门从事理论研究、编审与文化管理工作，工作环境都比较宽松而充满了人文气息。随着电视、电影、舞台剧等艺术形式的繁荣，这个专业将被更多的人所看好。
戏剧影视文学
前景分析：所有在屏幕上出现的艺术形式都是建立在剧本、脚本的基础之上的，因此，各种影视艺术越繁荣，也就越需要更多的原创剧本。优秀的剧本不仅吸引了大批观众，甚至能带红一批演员，人们对于编剧职业的认可度也不断提升。另外，编剧在从事其他文字工作时也有独到的优势。
北京广播学院：本专业培养的是从事广播电视文艺节目，主要是电视剧创作、改编、评论、研究、编辑、出版工作等方面的人才。毕业生既能胜任各级电视台的各类节目的撰稿、文学统筹工作，又能胜任电视剧制作各环节的工作，因此本专业的毕业生深受用人单位的欢迎。
动画
前景分析：这是一个历史较悠久的专业，不过到目前为止，中国人自己的动画还显得幼稚和缺乏创造力。要改变日本和美国动画垄断市场的现状，我们急需培养一批有自己特色的动画大师。目前，开设此专业的高校并不多，但其毕业生几乎都非常抢手，成为就业市场上的亮丽风景。现在，卡通热潮还在迅猛发展，并势必越来越热。
北京广播学院：该专业的毕业生主要在全国各电视台、电影制片厂、动画制作公司、网络公司等影视节目单位从事动画设计、导演、制作方面的工作。
播音与主持艺术
前景分析：随着传媒和大众娱乐的不断发展，各地各级电视台之间的竞争也在不断激化，有能力、有个性的播音员和节目主持人成为了电视台、电台争夺的焦点。该专业文理兼收，毕业生能在广播电台、电视台及其他单位从事广播电视播音与节目主持工作。
北京广播学院：北广的毕业生一直是中央和各省、市广播电台、电视台选拔播音主持人的首选目标，并且一直是供不应求，远远满足不了需要。该专业的英语节目主持方向在原外语系英语专业的基础上发展起来，毕业生大多服务于中国国际广播电台、中央电视台、新华社、《中国日报》、外文局和外交部等各级新闻单位和涉外部门。
四川师范大学电影电视学院黄老师：我们学院这个专业的学生就业情况比较好，就业范围遍及全国各大城市。该专业不仅仅学习常规的播音和主持课程，还要进行双语播音的培训，学习有关新闻写作、媒体管理、制片摄影等方面的知识，所以适应性很强，因此在就业上具有优势。
戏剧影视美术设计
前景分析：近几年国内的影视文艺发展很迅速，优秀的影视作品层出不穷，同时过去一度失宠的话剧、戏剧等艺术形式也重新受到大众的重视。这些表演和影视作品都离不开好的灯光设计和舞台设计，这为该专业的学生提供了广阔的就业前景。该专业的学生无论是在大学学习时还是毕业后在单位工作，其生活都将富有激情、充满挑战。而且，该专业的毕业生工作环境均宽松，对那些追求自由、浪漫和理想主义色彩浓厚的考生而言，不失为一个明智的选择。
北京广播学院：这是一个跨学科的专业，毕业生主要在电影、电视系统和其它专业文化艺术部门担任戏剧影视美术设计工作。本专业的学生不仅要进行美术基础、影视技巧、场景设计、计算机图形图像的设计与制作等方面的基本训练，还要学习文学、美术、艺术理论及其艺术欣赏等基础知识，因此具备了电视美术设计、道具设计及制作、服装设计、化妆设计、电视照明设计、电视节目和频道的视觉包装设计等方面的能力，具有较广的就业前景。
摄影
前景分析：摄影是艺术的、浪漫的，但摄影也是孤独和辛苦的，选择该专业的学生不但要有艺术的修养，更要具备毅力和耐力。
四川师范大学电影电视学院黄老师：我院的摄影专业主要是影视方面的，除了学习基本的摄影课程外，还要学习灯光、布景方面的知识。就业面比较广。
广播电视编导
前景分析：编导、导演是各类电影电视节目的总指挥，该专业重点培养这方面的人才。一台节目的好坏，编导的能力在其中起到了很关键的作用，编导、导演是整个节目的核心。因此编导也具有核心的地位，有才华的编导一定会成为各个电视台争抢的焦点。这是一个充满创造性和挑战性的职业，虽然道路布满荆棘，但闪烁光环的前景仍然吸引了不少人投入其中。
北京广播学院：该专业的毕业生主要从事电视新闻节目、记录片、电视专题节目编导、编辑、采访和制作、电视频道和栏目策划以及节目主持方面的工作。
四川师范大学电影电视学院黄老师：我院总体就业率在92%左右。编导专业有较好的就业前景。就业方向主要在电台、报社、电视台。该专业的学生还要学习摄影、采写、化妆方面的课程。因为采取了宽口径的培养方式，毕业生适应性很强，就业面广。
表演
前景分析：艺术表演可以说是当今青少年最为向往的职业之一，一朝成名，天下皆知。
北京广播学院：表演专业主要为电视剧制作单位、电影制片厂、电视台培养从事电影、电视剧表演、文艺节目主持工作的专门人才。
四川师范大学电影电视学院黄老师：这个专业的学生受到目前电影业不景气的大环境的影响，就业的出路相对要差一些。因此今年学校在招生的人数上有一定的控制，只招30人。该专业学生毕业后属于高收入人群。近几年该专业学生毕业去向主要是省人艺、话剧团、电视台、电影制片厂等单位。
导演
前景分析：一提到导演，很多人就自然想到世界名导演希区柯克、斯科西斯、斯皮尔伯格、黑泽明、张艺谋等，觉得导演这个职业很风光，令人神往。如今，人们在欣赏电影时不仅仅将目光放在几个男女主角的身上，他们还关注着导演创作中的思维和艺术。导演固然是个前途无量的专业，但这个行业里竞争激烈，要当上名导演更如同过独木桥一般了。
北京广播学院：导演是一个比较笼统的称谓，根据艺术行当的不同，导演可以分为戏剧导演、戏曲导演、电影导演、电视剧导演、记录片导演、文艺晚会导演等。北广导演专业的培养方向是以电影、电视剧导演为主，兼顾记录片导演。我们的毕业生毕业后即使不能立即成为电影、电视剧导演，也能很快适应电视制作机构的要求，成为合格的文艺节目和专栏节目的编导。另外考研和出国深造也是一个趋势。
舞蹈编导
前景分析：尽管高科技的发展可能对舞蹈带来致命的威胁：许多舞蹈演员们无法完成的高难度动作却可以通过电脑中的虚拟演员轻松的完成;许多舞蹈演员无法突破的极限，在科技工作者手中都可以迎刃而解。这可能是舞蹈演员的失落，但对舞蹈编导来说则是福音。因为惊险而充满美感的舞蹈编排不可能由科技工作者来完成，他们只是技术上的专家，舞蹈编导却是艺术上的权威。可以说，只要舞蹈这一高雅的艺术形式一日不消失，舞蹈编导就一日不会失宠。该专业的毕业生主要在表演团体、学校、科研单位、演艺机构等从事中国舞、芭蕾舞、现代舞、舞剧的编导与研究工作，同时，日渐增多的演艺团体也为该专业的学生提供了更多的选择机会。
高校并轨以后，毕业生直接面对就业市场进行双向选择，高校在毕业生就业问题上只能起到一个指导作用。用中央戏剧学院学生处一位老师的话来说就是：“无论哪个专业的就业前景都是跟着市场需求走的，市场需求是不断变化的，有的趋势可以预测，但有的趋势是无法预测的。有些专业，你进去的时候可能是热门的专业，但是在毕业的时候它可能就已经失宠。希望考生能明确这一点，做好心理准备，同时也不要在报考的时候单单考虑专业的就业前景。”

㈢ Weber，Carl Maria von韦伯的全部作品

安德鲁 劳伊德 韦伯（Andrew Lloyd Webber）1948年3月22日生于英国南肯辛顿的音乐世家，祖父是优秀的男高音，父亲是英国伦敦音乐专校的校长、知名风琴演奏家，母亲是小提琴家，姨妈是剧院演员，弟弟是着名大提琴手……韦伯从小受到音乐熏陶，7岁开始作曲，姨妈带领他进入剧院，令他从小就领略了舞台的魅力，11岁时韦伯用积木和纸板盖了一个玩具剧院，而他为这个玩具剧院谱写的作品，后来还曾用在音乐剧《爱的观点》中。韦伯16岁获得牛津大学奖学金，19岁进入皇家音乐学院学习管弦乐编曲。能够熟练的演奏钢琴、小提琴、圆号等乐器。在牛津大学读书期间，他时常和法律系学生，后来成为此作家的蒂姆 莱斯（Tim Rice）一同写词作曲。
韦伯的大学时代正是欧美国家现代主义思潮汹涌澎湃的时候。欣德米特、利盖蒂、潘德雷茨基等人的音乐一度让韦伯着迷。
1967年，韦伯19岁，他与莱斯（作词）合作创作了他的第一部音乐剧《约瑟夫和他的神奇彩衣》（Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat），该剧1968年在校园演出，后来几经周折在伦敦西区剧院上演。1981年，该剧在百老汇演出了824场，并获得1982年第36届托尼奖的多项提名，其中包括最佳作曲奖提名。
1969年，韦伯又创作了全部用摇滚乐风格写作的音乐剧《耶稣基督巨星》（Jesus Christ Superstar），该剧在内容上虽然受到许多争议，但在音乐上无疑是具有开创性的。
70年代后，韦伯一度离开音乐剧舞台，转向电影方面发展，为英国电影《侦探》、《奥德萨纵队》配乐，但影响都不大。
1974年，韦伯回到音乐剧创作上来，他又与莱斯合作，创作了根据阿根廷前总统夫人埃维塔的生平改变的音乐剧《埃维塔》（Evita），该剧于1978年6月在伦敦首演大获成功。1979年9月25日在纽约百老汇剧院上演，评论界虽然褒贬不一，但在观众中却大受欢迎，创下了连演1567场的佳绩，还获得了纽约戏剧评论界最佳音乐剧奖及7项托尼奖。
1982年，韦伯创作了音乐剧《歌与舞》(Song and Dance)，获得多项托尼奖提名。
同年他创作了音乐剧《猫》，该剧为他赢得了无数赞誉，也是他被公认为世界上最着名的音乐剧作曲家。至今，《猫》已经成为世界上演出时间最长的音乐剧。
1983年韦伯制作了戏剧《卓越人物将它赶走》。
1987年，韦伯又创作了《星光快车》（Starlight Express）,该剧于1987年3月15日在纽约百老汇格什温剧院上演，连演761场。
韦伯是一个富有挑战精神的艺术家，他总是在不断寻找新的艺术表现方式。在《猫》获得巨大成功后，他准备创作侦探题材的剧目《歌剧院幽灵》（The Phantom of the Opera），该剧既有震人心魄得音乐，也有强烈的悬念刺激，演出后获得了无与伦比的赞誉，观众如潮，各种奖项纷至沓来，票房纪录屡创新高。
随后他在伦敦皇家歌剧院制作了《被雇的人》《把你的嗓音借给我》与理乍得·罗杰斯、劳伦茨·哈特合作《足尖上》，并成为该剧院的所有者。
1990年4月8日，韦伯自己编剧、作曲、制作了音乐剧《爱的观点》(Aspects of Love)。他声称这是他最满意的音乐剧，但票房收入一般。
1993年7月12日，韦伯雄风再起，在伦敦推出了《日落大道》（Sunset Boulevard），演出大获成功。两年间在百老汇演出977场，并一举多得最佳音乐剧、最佳女主角、最佳男配角、最佳脚本、最佳作曲、最佳舞蹈编导、最佳布景设计、最佳灯光8项托尼大奖，成为年度最耀眼的音乐剧。
之后他有创作了《风中哨音》（Whisle Down the Wind）和《美丽游戏》(The Beautiful Game)，反响也不错。
2002年6月，他与有“亚洲莫扎特”之称的印度作曲家拉曼（A.R.Rahman）第一次联手合作，在伦敦推出了带有强烈异域风情的音乐剧《孟买梦》（Bombay Dreams）。
韦伯创作的其他剧院作品还包括《戴西的奋斗》、《野兽》，两者都获得了奥利弗奖（Oliver Award）。他为父亲去世创作的安魂曲（以拉丁安魂弥撒风格为构架）销量达到600万张。
除了音乐创作之外，韦伯还创立了真正好集团（Really Useful Group），并独家经营掌管，公司主要生产制作他自己的作品，同时也积极发展和制作其他作者的作品。如今，真正好集团已成为世界上首屈一指的音乐制作公司。
韦伯50岁生日时，英国皇家艾伯特音乐厅为他举办了巨星同贺音乐会，忆莲·佩姬、莎拉·布莱曼、迈克·波尔、格雷姆·克洛斯等音乐剧演员和流行组合BOYZONE均前往献唱。韦伯于1992年被授予爵士头衔，1997年晋升为终身贵族。

㈣ 芭蕾舞剧的艺术特点

芭蕾舞剧是综合音乐、美术、舞蹈于同一舞台空间的戏剧艺术形式。三位姐妹艺术的密切合作造成时空一致、视听统一的艺术效果，这正是芭蕾舞剧具有独特魅力之所在。音乐在芭蕾中占有不容忽视的地位。根据舞剧脚本谱写的音乐是舞剧编导赖以进行编创舞蹈和戏剧动作的基础。因此，舞剧音乐既要体现完整的艺术构思、描绘戏剧性的情节进展，又要刻画鲜明的音乐性格、提示人物的内心世界与感情变化。而且，舞剧音乐往往都有节奏明确、抒情色彩浓厚的适于舞蹈的旋律，并体现出作品的时代、地域的风貌。音乐素有“舞蹈的灵魂”之称，难怪我们聆听舞剧音乐时，脑海里就会有形象浮现。
包括舞台布景、服装、化妆在内的舞台美术，通过逼真的实感、巧妙的色光变幻以及特技效果创造出舞剧规定情境所需要的艺术氛围，增强着舞剧的感染力。舞台美术的重要性可以从下述情形得到证实：即使是满台白光或漆黑一片，人们也能从中体味某种特定的含意。
舞剧，顾名思义舞蹈是它最主要的表现手段，舞剧的一个突出特点是演员在台上不说也不唱，完全依靠形体的表现力来完成所有的戏剧要求——主题思想的阐述、矛盾冲突的展现、人物性格的塑造。训练有素的舞蹈演员是通过优美的舞姿、和谐的韵律、高超的技巧“说话”和“唱歌”的，说出角色的心里话，唱出人物的情愫来。这里要指出的是，芭蕾演员作为艺术创作的体现者，其素质的高低、进行二度创作的能力大小固然起着决定性作用，但是，在作品诞生的全过程里，舞剧编导的才情和技巧都从根本上影响着作品的质量。当我们为一部舞剧的成功演出鼓掌喝彩时，理所当然地包括了对编导的肯定与赞扬。
芭蕾舞剧的舞台表演是由哑剧和舞蹈两大部分构成的。舞蹈部分又可分为直接推动情节进展的和情绪单一、表演性强的两种舞蹈。
芭蕾中的舞蹈格式有独舞、双人舞和多人舞。独舞犹如话剧中的独白、歌剧中的咏叹调一样，长于刻画人物性格和抒发内心情感。群舞则用来渲染、烘托气氛，调剂色彩。在许多古典芭蕾舞剧中，由女演员组成的舞队排出各种几何图形，表演优雅的轮舞、圆舞，呈现出令人赏心悦目的舞蹈构图，往往是代表了一部舞剧的典型场景——象《天鹅湖》湖畔的“群鹅”、《吉赛尔》第二幕的“群灵”、《希尔维娅》第一幕的“猎神们”所显示出来的那样。
芭蕾双人舞在概念上不仅是“两个人跳舞”，而形成为一种特定的表演格式。古典舞剧中，男女主人公的双人舞常常被处理为全剧的核心舞段，占据着重要位置。双人舞通常取三段式进行：一、慢板——由男演员扶持、托举女演员的合舞，连贯地展示各种舞姿，在地面和空中完成一系列旋转、跳跃等技巧动作；二、变奏——男、女演员分别表演独舞；三、结尾——由男、女演员逐渐加快的独舞过渡到快板的合舞，呈现舞蹈的高潮。双人合舞（不论是慢板或快板）要求男女双方和谐默契、浑然一体；而变奏一般都包含着复杂的高难技巧。因此，双人舞是对芭蕾赏技艺的全面检验。我们经常可以看到《天鹅湖》、《唐·吉诃德》、《海侠》、《睡美人》等古典芭蕾中的双人舞做为舞剧精华拿到舞蹈晚会上表演，演员们按照原剧应有的情绪尽力炫耀着自己的拿手绝技（如连续不停地三十二圈单足旋转），收到激动人心的舞台效果。

㈤ 编导艺考包括哪些专业 具体考什么

艺考编导能考广播电视编导、制片管理、文化产业管理、戏剧影视文学、数字媒体艺术、戏剧影视导演、媒体创意学、导演专业、网络编辑、多媒体教育、影视制片、影视制作、编导制作、文艺编导专业、影视编导专业、影视摄影与制作等二十多类专业。一、笔试内容主要包括文艺常识、影视作品分析、故事写作、分镜头写作、编导创意、议论文写作、新闻评论、散文写作等。其中比较常考的是文艺常识、影视作品分析、故事写作等，其中文艺常识主要考察的就是基础的文学和艺术等方面的知识；影视作品分析则需要根据给出的影视作品来进行分析；故事写作则是给出一个题目，关键词或是一段材料来进行编写故事。这几项都需要大量的阅读和写作训练的积累。而编导创意考察的主要是考生的想法和创意；而分镜头改编是比较专业的考试内容之一，出题形式可能是给一段文章、诗词或是剧本，让考生写分镜头脚本。至于议论文写作、新闻评论、散文写作等考的比较少，但也是必须要掌握的。二、面试考试时，一般考生会提前在一个准备室中准备，然后以分组的形式一起进入面试，考生需要先进行自我介绍，然后考官会轮流提问，问题涉及范围会很广。主要进行命题演讲，即兴评述，作品分析和自选朗诵等，根据专业方向和报考院校考试内容各不相同。而才艺展示部分院校是选考，部分院校则是必考，主要就是声乐、器乐、舞蹈、曲艺等。

㈥ 舞蹈编排过程及思路

（一）主题和题材： 创作者要通过一个舞蹈作品表达什么中心思想，这就是作品的主题。

用具体事物、生活情景去表现这个主题思想，这种具体的材料就是“题材”。“主题”就是作品的核心、主体。题材就是具体描写主题的材料。在舞蹈创作中可以先确定主题，再选择题材。

（二）如何选择题材

1，什么是题材：就是编导在他所处的客观现实生活中，经过深入观察体验，把那些丰富多采错综复杂的种种生活现象，经过分析、选择、加工，使它们构成文艺作品的核心，也是作品最基本的因素。

2，选材的方式：分直接和间接两种。直接就是发生在身边的所见所闻所看的事和物。间接的如历史、神话、寓言、童话、绘画题材等。

3，舞蹈如何选材：要掌握舞蹈艺术创作的特殊规律，就是用舞蹈形象思维的'方式，研究分析现实生活中的各种现象，全部依靠舞蹈的自身表现手段，既用身体动作表达感情，特别要注意题材的动感和丰富的感情。

选材时还应注意：动作性，既通常所说的“能舞起来的材料”。抒情性，题材要孕育着深厚的感情动力。直观性，必须是能出现在舞台上让观众直接看到或听到的。

（三）构思脚本 （舞蹈和音乐处理的文字结构），以突出主题思想为目的，把“题材”概括、提炼，构思成舞蹈的艺术结构，这就是舞蹈的“脚本”，脚本是作品的立脚根本。

舞剧的结构可分为引子或序幕：

1，引子或序幕：是剧中时代、环境和人物的引入。

2，开篇：剧情矛盾冲突的开始，要鲜明而引人入胜。

3，发展：剧情展开的过程，这段占有的篇幅较大，情节需要有起伏、转折方能精彩。

4，高潮：是全剧矛盾发展的顶峰，它要激起观众最强烈的感受。

5，结局：剧情发展的结果，它要最清楚的揭示主题思想。

㈦ 舞蹈编导考试必须掌握的专业知识

舞蹈编导考试必须掌握的专业知识

舞蹈的编导：就是一个舞蹈作品的编者和导演。那么舞蹈编导到底是什么职业呢?下面一起看看吧!

一、舞蹈编导(概述)

戏剧导演与舞蹈编导有哪些不同：戏剧导演是把文学剧本搬上舞台演出过程中所需要的全部工作。但这不是一般的工作，而是一种创造性的工作——即把文学剧本变成表演节目的再创造(也叫二度创造)。

在戏剧艺术中，剧作家只负责写出剧本就可以了。而进行舞台艺术的再创造(演出)，则是导演的事。在舞蹈艺术中，舞蹈编导本身既是全部剧本和“台词”(舞蹈动作)的创作者，又是把它搬上舞台的导演。肩负着编和导的双重使命。对舞蹈作品来说，不参加“编”就无法“导”，导演也就是编者。由于舞蹈的特殊性，一个舞蹈创作从一开始就不能不同时考虑，原本是属于“导演构思”中的很多部分，如：形体、表情、台词、场面调度，对作曲、美工和舞美的特殊要求。

作为一个舞蹈编导，只有掌握了一定的舞蹈表现技能和舞蹈创作知识以后，才可能开始创作工作。首先，必须透彻地理解舞蹈艺术特征，舞蹈的表现手段和表现手法，舞蹈的类别等，才能掌握舞蹈创作的特殊规律进行编排舞蹈节目，否则将无法入手。

二、舞蹈的起源

中国的舞蹈艺术历史是最年轻的，解放初期才真正有了舞蹈的专业工作者。49年以后，上海舞院54年办从事舞蹈的人女11-13岁，男12-14岁，文化水平低，舞蹈的理论薄弱。

舞蹈起源于劳动：在原始社会，远古的先民们在没有文字和完善语言之前，就学会了手舞足蹈。如：狩猎、祈祷、恋爱、南朝鲜模仿仙鹤的动作、傣族模仿孔雀的动作等等。后来，为了娱乐，逐渐从劳动中向上层社会发展，如“交谊舞”。劳动生活创造了舞蹈，而舞蹈又用来反映人们的生活、理想和愿望，并为社会服务。没有社会生活就没有舞蹈的存在。舞蹈作品的产生，终不是个人意想的产物，是属于上层建筑的，反映人类社会生活的意识形态，是一切文学艺术的普遍原则，也是舞蹈艺术的普遍原则。

三、舞蹈的艺术特征

1、舞蹈是人体动作的艺术：舞蹈艺术的主要表现手段是依靠人体的动作。

2、在欧美，舞蹈一词源于高地日耳曼语的DANS这个词，意即“伸展拔体”。在亚洲，日本、朝鲜都称舞蹈为“舞踊”。“踊”即跳的意思。我国古代称上肢体的动为“舞”，下肢体的动为“蹈”，配合起来称为“舞蹈”。美国现代派舞蹈创始人依莎多拉、邓肯认为“凡借助身体动作以表达思想感情的创造性活动，都是舞蹈艺术”。因此，舞蹈是人体的造型艺术，舞蹈是通过人体动作表达思想感情的。

人们首先做出的反映，往往是情不自禁的动作或伴有声音的动作。所以，当语言(甚至喊叫)不足以表现人的强烈感情的时候，作为舞蹈的特殊手段——人体动作——却具有鲜明而又有力的艺术表现能力。舞蹈艺术所要求的人体动作不是自然形态或单纯生理状态的，而是具有特定的时间和空间，经过美化的极富于感情色彩的动作。所以人们把舞蹈的构成归纳为三大要素：即动作(空间)、节奏(时间)、表情(感情)，其中缺一不可。空间：舞台、场地;时间：音乐，一定的时间;舞蹈的艺术特征是在一定的空间和时间内用身体的动作表达感情的艺术。由于这种艺术手段上的特征，也决定了舞蹈是以“抒情”见长的。因此，舞蹈编导要熟习、了解舞蹈的这种特殊手段，扬长避短，选择适宜于人体动作表现的题材和内容。

3、舞蹈的独特表现手法：舞蹈是以人体动作为艺术手段，为此，它有相应的一套独特的艺术表现手法。概括起来即：舞蹈的动作(舞姿、动作组合、步法)，舞蹈的队形、画面(构图)和一些哑剧手法(如手势、面部表情等)须掌握。

A、舞蹈动作：舞蹈语言的单字、单词就是“舞蹈动作”。这种动作不同于生活动作，要有艺术加工的造型性——即“舞姿”。把经过美化的动作和富有造型性的舞姿按需要表达的内容连接起来，就是“动作组合”。连接动作组合的还有“舞蹈步法”，舞蹈步法帮助或突出舞蹈语言的轻重缓急。舞蹈动作更重要的是塑造人物形象。技巧动作也是塑造舞蹈中人物性格或表现特定情节的主要“语汇”。

B、队形、画面：舞蹈的队形、画面，在创作舞蹈的环节中称为构图。它是舞蹈表现作品内容、处理情绪变化、连接舞蹈动作和步伐的纽带。演员在台上的位置或调度所形成的队形、图案称为舞台调度。好的队形就像一幅活动的图画。

C、哑剧手法：哑剧也是一种不用语言而以人体动作、手势和面部表情表达剧情的手段。

作为舞蹈中的手势(表情动作)，当然首先来自生活。但同样需要美化加工、集中概括，能在一个短暂的手势或姿态中，明确表达一个内容。舞蹈区别于音乐、绘画、雕塑，是空间的、时间的。舞蹈善于表达人们最激烈的感情。

4、是综合性的艺术：融汇了文学、音乐、美术和戏剧等姊妹艺术的因素。

A、舞蹈和文学的关系：在具体创作过程中，无论作品的结构、情节的铺陈，细节的描绘，人物的刻画，环境的设置，以及虚实、比拟、夸张、对比等等艺术手法的应用，都需要从文学作品中吸收营养。

B、舞蹈和音乐的关系:舞蹈音乐不仅给舞蹈以长度和速度,也促使舞蹈语汇准确、简练、集中，同时，舞蹈动作的语言性和情绪的发展，深入等，也是借助音乐的旋律、节奏来体现。在舞蹈与音乐的有机结合中，才塑造了完整的舞蹈形象。因此，在舞蹈作品中，音乐和舞蹈共同担负着刻画人物形象，表达思想内容的任务。

舞蹈的节奏感：不同的节奏可以突出不同的思想情绪。音乐伴奏中的间隙或暂时的停顿，同样是一种音乐节奏的处。通常突出惊讶和紧张的场面时，成为“哑场”或“静场”。

C、舞蹈和美术的关系：绘画和雕塑是追求在静止的造型中获得动态性的效果。而舞蹈则要求在运动中要有雕塑性的造型。“舞蹈是动的画、活的雕塑”，“舞蹈家是用人体作画”。

舞蹈编导要将那些自然形态的东西升华到具有美术性的造型上来。像舞蹈的每一个瞬间，尽可能的像绘画和雕塑那样，具有强烈的感染力，使舞蹈作品成为一幅幅动的画、活的雕塑。还包括舞台美术的创作(如布景、服装、化装、道具等)。

D、舞蹈和戏剧的关系：舞蹈与戏剧都是舞台表演艺术，不同的是：戏(歌)剧主要依靠演员的说话或歌唱，而舞蹈则是用元演员的形体动作去完成创造角色的任务。

E、既然是综合艺术，舞蹈同样与武术、杂技、体操也有密切的关系、在这就不多说。

综上所述，舞蹈是需要音乐、节奏、舞美、灯光、服装、道具等塑造形象。服装要符合表现人物的艺术形象和人物性格。

四、舞蹈编导的专业修养

(一)生活是创作的源泉：舞蹈作品和舞蹈形象的产生也是源于生活，它是取之不尽、用之不竭。例如扬丽萍的舞蹈《雀之灵》既以美丽的孔雀为原形。

(二)积累舞蹈素材，丰富舞蹈语汇。

(三)积累多方面的艺术知识，丰富想象力：我们说的艺术想象，是基于实际生活之上的想象，队舞蹈编导来说，是“生活积累”的升华，是一种发展了生活的形象思维，是是生活更理想化，更鲜明的再现艺术上的能力。

(四)如何继承民族舞蹈传统：不要单学艺术形式，采取拿来主义，要付出挖掘的劳动。

(五)继承传统的舞蹈的三种创作方式：1 加工整理，2 改编革新，3 借鉴创新。

所谓整理就是把仍在民间流传的舞蹈收集起来，把已失传的古代舞蹈“循踪追迹”复原起来，经过去芜取精的整理，搬上舞台。改编是在原有民间舞蹈的基础上推陈出新，使其内容、形式焕然一新。创新则使已民间舞蹈动作为创作素材，表现新内容，塑造新人物的作品。

五、舞蹈编导创作、排练的全过程

(一)主题和题材：什么是主题?创作者要通过一个舞蹈作品表达什么中心思想，这就是作品的主题(或称主题思想)。

用具体事物、生活情景去表现这个主题思想，这种具体的材料就是“题材”。“主题”就是作品的核心、主体。题材就是具体描写主题的材料。在舞蹈创作中可以先确定主题，再选择题材。

(二)如何选择题材：

1 什么是题材：就是编导在他所处的客观现实生活中，经过深入观察体验，把那些丰富多采错综复杂的种种生活现象，经过分析、选择、加工，使它们构成文艺作品的核心，也是作品最基本的因素。

2 选材的方式：分直接和间接两种。直接就是发生在身边的所见所闻所看的事和物。间接的如历史、神话、寓言、童话、绘画题材等。

3 舞蹈如何选材：要掌握舞蹈艺术创作的特殊规律，就是用舞蹈形象思维的方式，研究分析现实生活中的各种现象，全部依靠舞蹈的自身表现手段，既用身体动作表达感情，特别要注意题材的动感和丰富的感情。

选材时还应注意：动作性，既通常所说的“能舞起来的材料”。抒情性，题材要孕育着深厚的感情动力。直观性，必须是能出现在舞台上让观众直接看到或听到的，(如过去和未来，可用暗转、倒叙等手法)

(三) 构思脚本(舞蹈和音乐处理的文字结构)，以突出主题思想为目的，把“题材”概括、提炼，构思成舞蹈的艺术结构，这就是舞蹈的“脚本”，脚本是作品的立脚根本。

怎样结构舞蹈脚本，这点在舞剧的创作中特别重要，从舞剧的`结构说起，简单来说，舞剧的结构可分为：1 引子或序幕：是剧中时代、环境和人物的引入。2 开篇：剧情矛盾冲突的开始，要鲜明而引人入胜。3 发展：剧情展开的过程，这段占有的篇幅较大，情节需要有起伏、转折方能精彩。4 高潮：是全剧矛盾发展的顶峰，它要激起观众最强烈的感受。5 结局：剧情发展的结果，它要最清楚的揭示主题思想。

六、舞蹈的结构

(一) 什么是结构：简单说安排作品情节的方法就叫结构。

结构舞蹈时，时刻不要忘记用舞蹈的表现手段去考虑，时刻不要忘记是用艺术形式的表现手段和舞蹈动作去处理人物、情节等，否则结构出来的就不是舞蹈，而是歌剧、话剧。

(二)结构情绪舞时应注意的问题：

A、组织情绪：是把舞蹈感情和情绪有层次的、有逻辑的、有发展的组织起来，创作一个完整的作品。

B、安排节奏：依据主题的意图与思想感情的变化安排舞蹈节奏的变化。

C、舞蹈调度：舞蹈动作场面，调度必须有一个核心的全面规划和布局。根据情绪的起伏、发展，节奏的变化，把动作和画面组成一个严谨的舞蹈结构组织。

介绍几种“情绪舞”的结构：

A、三段体结构：(A-B-A)是借鉴音乐的三部曲式而来的。全舞的布局分为三段，A段与B段从情绪、节奏上形成鲜明对比。如：A段是跳跃的快板，B段就是相对平稳的中板或慢板，而A`则是A段的再现或有变化的再现。

B、二段体结构：(A-B)

C、单段体：(A)(B)，A：快，B：慢。

由上可以看出舞蹈编导在构思舞蹈脚本时，除了情节、场次(或段落)外，同时还要想好音乐和舞蹈的处理、布局。如：舞蹈中哪段情节用独舞、双人舞去表现哪段用情节性或表演性的舞蹈去表现，每段用什么舞蹈素材等。

(三)关于舞蹈中的音乐(创作舞曲)

作为综合性的舞蹈艺术，音乐处在非常重要的地位，有了音乐，才有完整的好舞蹈，所以必须处理好与音乐家的合作。

(1)如何与音乐家合作：编导要把自己的创作动机和意图、构思的过程直至素材的运用，人物形象和场面的设想，舞台的气氛和效果等，要非常认真的、带感情的、绘声绘色的告诉作曲者，使他好象看到了未来舞台上出现的情景，产生共同的欲望和想象，同时也听取他对舞曲创作的想法。要尊重作曲家的意见，在音乐写成以后，不要随意乱改和破坏音乐的完整性。

(2)编导和作曲者的合作中：

A、在舞蹈总布局要求下，应充分发挥作曲者的想象力，保证舞蹈音乐的完整性。优秀的舞曲会进一步启发编导的想象力，使舞蹈的形象和意境更完美。

B、可以和作曲者共同选择音乐素材，(如采用哪种民族、哪个地区或哪首民歌、哪段曲子等)，切磋音乐形象(如舞蹈的主要旋律、人物的主题、音乐等)，这有利于音乐和舞蹈形象的一致，并且互相启发。

C、对音乐的要求，要通过音乐的专业语言——“音乐表情术语”具体提出来，才能做到舞蹈与音乐节奏的吻合。

(3)如何利用现成音乐编舞：

A、认真听，分析音乐，做到尽可能明了原作意图。

B、抓住音乐的主要基调(感情基调)，选取适合此音乐表现的体裁，不要去解释歌词。

C、选择适合此音乐主题的动作。

七、如何着手编舞呢?

1、感情是动作的信息：编舞首先要弄清的是你要表现人物的什么感情和性格，有经验的编导往往首先按舞蹈结构的线索设计出人物连绵不断的心情、意识甚至潜台词，循者这个脉络去雕琢动作。而富有演员经验的编导，就使自己首先进入角色，让作品中的人物在自己的身上活起来。在深入角色的基础上，从自己积累的生活舞蹈素材中物色、提炼出此时此地，此情此景所需要的舞蹈形象来。即把体验感情作为动作的原动力。

2、动作的典型性：这是成功之要点。典型的舞蹈动作不是综合的越宽越好，而是个性越强越好——一要有突出的性格，二要有明晰的感情。人有七情：喜怒哀惧爱恶欲、、、、、、设计舞蹈动作首先要说清楚什么是感情。但人有男女老少，古代和现代，这个民族和那个民族之分，他们表达的感情各异，因此动作还要性格分明。性格包括角色的个性及其民族的风采。

3、舞蹈的“意境”：舞蹈的动作不在“繁”与“简”，能突出“意境”则灵。舞蹈作品的“意境”是把主题思想转化为“诗情画意”的艺术构思，是“情”和 “意”与“景”和“境”的统一，是人的理想。“意境”是大局，编舞要从大局着眼，小处(动作)着手，围绕着动作去考虑动作。

4、舞蹈的主题动作：2人以上几点着眼，首先设计出符合作品中人物(或拟人化)形象的基础动作来——也有人称主题动作——即塑造作品舞蹈形象的代表性动作，这种做法在民间舞蹈中是常见的。各地区的民族民间舞蹈跳起来有千变万化，但总离不开那么几个最有代表性的动作。它们成为舞蹈作品中“舞蹈语言”(动作组合)的基础和反复出现的贯穿动作。

动作组合要编排得生动、流畅、感人。应注意：

A、要有对比性的变化：对比有时间(节奏)上的快与慢，强与弱，延长与短暂等;有空间(造型)上的大与小，高与矮，方(线条凌厉，有棱有角)与圆(柔和，圆润)，放(伸)与收(缩)，动与静等。这些对比变化不应是形式上的安排，而是人物内心情感上的促使。如生活中的情绪、、、、、、舞蹈动作的变化也是由此而来。对比性的动作加大了情绪变化的起伏，使各种情感在相对中显得更鲜明、突出，所以，能使舞蹈语言更生动。

B、必要的重复、再现：舞蹈和音乐同属时间性的艺术，舞蹈虽然还只有空间的形象，但不能象“雕塑”那样永远静止在那儿尽人观赏。为了使舞蹈形象和“意境”留在观众心上，重复、再现手法同样是不可少的。其做法可有多样：

(1)主题动作贯穿始终。

(2)主题动作在不同的情节、段落，不同的节奏下变换出现。

(3)主要的舞蹈组合(段落)反复出现。

(4)开头和结尾是同样的舞蹈处理或“意境”的再现。

(5)动作“元素”——在后。

5、构图：构图是编舞中一个重要组成因素。构图包括舞台调度和画面。构图是随着登场人物的行为和感情发展而设计的。没什么固定的“程式”。关键是要通过队行图案的变化把舞台衬托成作品所需要的空间、境界。对于舞台的构图，我国传统审美习惯是“均衡”、“匀称”。“均衡”就是常说的“不要偏台”。均衡的构图有两种，一种是对称均衡，一种是不对称的均衡。“匀称”是指构图上不要有死角或多一块、少一截等感觉。有时也需要不均衡的场面，那是由于强烈的剧情冲突的需要，而造成一种高度惊恐不安的气氛。

不同的构图会给观众留下不同的直感：圆形使人感觉丰满;方形显得严肃、整齐(但极少用);而三角形介于两者之间，较灵活，易组成多种图形的小单位;弧形有纵深的感觉;纵队有逼近、压迫的感觉;横排——平和;斜排——前程远大。

在舞台调度上：走直线显得距离近，路途短;走曲线显得距离较远，路途长;走“8”字，距离无限，可以从早走到晚;左右横过，表示眼前发生的事物;自后向前，可造成由远而近的感觉;“V”字向前，有冲击、压力之感;多人“龙摆尾”的队形，能显示人群由远而近、由少聚多的情景;几列直排的纵横交*，能增加要渲染的某种气氛——无论是紧张的、火热的、战斗式的;由密集到扩散的队形，能造成一种占领空间的势头;大收大放可造成气势、力不可挡的强烈气氛;忽前、忽后、忽左、忽右的连续调度，给人以动荡不安、瞬息万变之感，可表示风浪中行船、心潮起伏的幻觉、激烈的战斗等等、、、、、、

需要说明的是，舞蹈的构图不能孤立的设计，必须和舞蹈动作组合结合起来，且与服装、道具也是分不开的。

6、选择演员排练舞蹈：选择演员时必须考虑(1)是否能担负起塑造角色所必须的舞蹈技能和技巧。(2)是否吻合或接近角色的身份，性格和外形，(3)符合节目体裁对演员所要求的特色，如：演员是喜剧型的或是悲剧型的，是抒情的还是武打型的等等。

确定了演员以后，编导要向演员解剖作品的主题、内容、人物、情节、场次(段落)、图景，使演员对作品有一个明确的、完整的概念。再进一步分析角色，明确演员的任务后，熟悉舞曲，然后一个个的教动作，一段段的排练(用钢琴或简单的乐器伴奏)，直到将全舞完成。

A、排练：可先粗排(即搭架子)，或试几个主要段落。

B、让作曲者进入排练厅看排练。

C、当排练中演员进入角色后，他(她)们的体验、创造是很宝贵的，要启发运用演员的智慧去进行再创造。一旦演员有了新的创造(包括动作、表情等)，要充分肯定，并根据情况适当修改原设计。

D、根据演员的技术条件，扬长避短，随时设计出能使演员的技巧有充分的使用之地的舞蹈段落。

7、合乐：

舞台合成：把排练厅中的作品搬上舞台是“合成”的阶段。合成之前，编导必须向舞台工作的各方面人员——布景、灯光、服饰、道具、音响效果等，介绍作品内容并提出设计要求，最后确定方案。

(1)舞蹈布景要说明作品的时代，创造特定的环境。布景应简练、明确，一般不用或少用戏剧那样的实景。

(2)舞台的灯光要显示舞蹈的时间早晚，天气变化，吉祥和厄运的预兆，人物内心的渲染等。

(3)服饰帮助表明人物身份，民族的属性，服饰色彩还能突出人物性格。要求轻便而合体，美观而有特色，夸张而不失真。

合成包括：走台、走光、化妆连排、彩排。

A、走台：是舞台上的场、景和舞蹈的结合实验。让演员熟悉舞台面和置景的地位，要从头至尾把舞蹈的调度、队形、画面的位置都固定下来。同时，检查场景与舞蹈的构图是否协调。

舞台平面图的九个表演区：

B、走光：是灯光设计与舞蹈的实验。要随着舞蹈内容的展现和演员的调度把灯光固定下来。

C、化妆连排和彩排：都是属于总合成(包括乐队、演员、布置、灯光、服装、化妆、道具、音响效果等)的排练。编导指导化妆连排时，可以随时停下来，协调舞台个方面的配合，一段段、一场场的进行，当“合成”完成以后，进行彩排时就要一气呵成，以便检查、发现问题，再作进一步的调整。至此，一个舞台演出的舞蹈作品诞生了。

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㈧ 编导艺考具体考什么。

编导艺考内容如下：

（1）文艺常识

文艺常识考察的范围主要是最基础的文学和艺术方面的知识，既包括高中生知识范围内的知识，又包括最基本的生活常识。艺术方面的知识包括音乐、美术、建筑、舞蹈、电影、电视等方面的基础知识，比如油画作品《蒙娜丽莎》是谁的代表作，“圆舞曲之父”是谁，中国最早成立的电视台是哪个等等。

（2）影视作品分析

这个考试科目就是让写评论性的文章，根据给出的影视作品来进行分析。影视作品有电影、纪录片、电视栏目、微电影、广告等。一般会现场播放视频，然后写作；有的学校会选择默评，直接给出电影的名字，直接写。

（3）故事写作

给出一个题目，然后来进行编写故事，也有一些院校会给三个关键词，根据关键词来编故事，还有的学校会给一个开头或者结尾，或者一段材料，让把结尾、开头或者材料加入到故事当中。

要写好故事，必须掌握大量的故事素材，以及多加练习。

（4）方案策划

包括电视节目策划、活动策划、晚会策划等，在课程当中，会通过案例讲解的方式来教学生如何策划方案。

策划方案并不难，多看几个案例就可以搞定了，就是那么几个元素。

（5）分镜头改编

这个是最专业的考试内容之一。给一段文章，可能是小说、诗词、歌赋，也可能是剧本，让写分镜头脚本。比如考题给出一句诗，“白日依山尽，黄河入海流”，使用6个镜头来表现诗句的意境。

（6）编导创意

编导创意是考察有没有好的想法，并表达出来的想法。考题的出题方式很多，总之都是围绕“创意”两个字，例如：广告创意、节目创意、宣传片创意等。考官需要有想象力、新奇的构思。

编导创意可以归为策划方案的写作，因为创意总得需要方案来表达，只不过有的是写作，有的是面试口述。

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㈨ 现代舞蹈的艺术审美特征

动作美是舞蹈美学特征的原点，从原点出发，舞蹈发展到了现在，早已是一种综合性的艺术了，现代化的舞蹈艺术其表现手段越来越丰富、越来越高明、越来越复杂、越来越依赖于各种现代化的辅助设备。无论是独舞还是群舞，必须要依靠多种因素、多种形式、多种手段来适应和满足人们不断变化的、超前的审美诉求。现代化的舞蹈艺术的审美特征应该包括基本素质美和综合美两方面。

一、素质美

舞蹈演员的基本素质包括力量、柔韧性、稳定性和控制力、协调性、灵活和耐力，这些素质相应地构成了舞蹈的素质美，即力度美、柔韧美、稳健美、协调美、灵活美，素质美是形成舞蹈美学的基础。

(一)力度美

力度美里应该包含力量美，力量是人体某部分用力的能力，这种能力是人体肌肉收缩和紧张时所表现出来的。有力量的演员做动作时速度快、控制力强、弹跳力好，容易完成各种高难度的复杂的动作，力量弱的演员当然就差强人意了。力度是体现在某个单一的舞蹈动作和整个舞蹈中的张力和气势，是一种刚的东西，有柔就有刚，美就是对比。力度美的体现在舞蹈中是不可或缺的，根据舞蹈作品思想内涵的需要，很多舞蹈动作都必须用强劲的力度、力量来展现，一个强劲的具有爆发力的舞蹈动作和舞蹈场面，带给观赏者的震撼和冲击是很大的，所产生的艺术效果自然是不可估量的。

(二)柔韧美

柔韧美要从舞蹈演员身体的柔软度和舞蹈动作的柔韧性中体现出来。柔韧性通称为软度，有软度的演员动作幅度大，肢体能够随意弯曲、伸展、变形，轻盈巧妙、婀娜多姿。舞蹈演员的柔韧美带给人们的美感是无与伦比的，一个没有软度的、挺着僵硬身体跳舞的人其美感就会大打折扣。所以，舞蹈演员的柔韧性训练要经历长期而艰苦的过程，任何美的实现需要付出代价，付出代价的美才是有价值的。

(三)稳健美

稳健美体现在某个舞蹈动作和造型的稳定性和控制力上，有些舞蹈动作和造型需要相对长一些的时间空间来完成，比如下腰、劈叉、抬腿、探海、旋转、跳跃等，需要较长的时间瞬间完整地完成这些动作，要有稳定性和控制力，否则，只完成了一半就感觉支撑不住或完成得勉勉强强，这就表现出稳定性不够和控制力差的现象，给观赏者造成美中不足甚至为你捏把汗的感觉，这时候舞蹈动作带给人的美感就荡然无存。

(四)协调美

协调美体现在舞蹈演员身体各部位的配合，头、手臂、肩膀、腰、腿、脚等是舞蹈动作的分支部分，是舞蹈语汇形成的关键所在，缺了任何一个都不行，一个单独的部分有可能完成一个单独的舞蹈动作，但不能完成一连串、一整套动作，它们之间密切、协调地配合才能挥洒出千变万化、多姿多彩的舞蹈形象。

(五)灵活美

灵活美体现在舞蹈演员身体各部位的应变能力、反应能力上，身体的灵活性对一个舞蹈演员来说非常重要，舞蹈演员不是靠灵巧的嘴说出灵巧的语言，不是靠美妙的嗓音发出美妙的歌声，要靠灵巧的身体作出灵巧美妙的动作。一个头脑灵活的人不一定身体也灵活，一个身体灵活的人不一定头脑也灵活，但是一个舞蹈演员必须身体要灵活，笨手笨脚的人做舞蹈演员肯定不合适。所以，舞蹈演员一定要看其身段，看其体形，美的身段，美的体形，才能跳出美的舞蹈，灵活的身体才能跳出灵活的舞蹈，笨拙的舞蹈肯定是不美的。

二、综合美

舞蹈艺术的综合美包括情感美、形象美、服饰美、道具美、音乐美和舞台美等几方面。

(一)情感美

舞蹈是用身体语言来表达人类情感的艺术，它绝对不应该是用一些简单的、机械的、无意义的动作来释放身体的生理能量。好的舞蹈能够使观赏者深深地感悟到舞姿当中的各种复杂而细腻的情感，能够看出故事情节，能够看出矛盾冲突，能够看懂舞者所扮演的角色形象。

舞蹈的情感美应该包含表情美和思想情感美。表情美指的是舞蹈演员面部表情，包括化妆、舞蹈表演中所需要的各种情绪状态。舞蹈演员应该有一个娇好的面容，化装是必须的，在舞台上演出，由于服装、灯光的辉映、面部要进行合理的、配套的化装，化装还要与舞蹈作品的风格特点相符合，每一次的演出，每一个作品的演出，化装应该有所不同，不管什么演出、不管什么作品，千篇一律地化装或每次只把脸蛋化漂亮的单一的僵化的做法，是不利于求变求新的美学思想的。

思想情感美是指舞蹈脚本的主题思想美、编导的创意美和每一个舞蹈作品本身所包含的人文思想美，有很多舞蹈作品有着很深的意境和思想情感内涵，艺术性和思想性结合得比较完美。舞蹈编导者和舞蹈表演者，首先应该了解舞蹈作品的思想内涵，你了解了这个作品，你才能表现这个作品，你发现了这个作品的美，你才能表现这个作品的美。

(二)形象美

舞蹈艺术主要靠静态的人体形象和动态的人体形象来表情达意的，所以，在某种意义上来说，舞蹈也是一种静态的人体美和动态的人体美的展示过程。按照舞台美学标准来要求，如果是集体舞的话，舞蹈演员既要有集体的形象美又要有个人的形象美，不管是群舞演员还是独舞演员，在舞台上都要显示出高雅的气质和美好的形象，独舞演员的标准应该更高一些。

(三)服装美

现代化的舞蹈表演，对于舞蹈服装的美学标准越来越高，因为服装设计水平越来越高，制作工艺越来越现代化，布料的质量越来越好，材质也越来越多，

这一切使舞蹈服装更加漂亮，更加具有美感。舞蹈编导者和舞蹈服装设计者，对于舞蹈服装的.款式、色泽的选择，是一个美学课题，尤其是舞蹈编导者，既是舞蹈动作的设计者，又是舞蹈服装的设计者，其美学眼光和审美能力，直接影响着舞蹈服装的美学标准的高低。

(四)道具美

舞蹈道具在舞蹈中具有重要的作用，它不仅能够说明人物身份，表明舞蹈特定的环境，更重要的是能够增强舞蹈表情的感染力。舞蹈道具有实体道具、抽象道具、演员身上的道具、舞台上放置的道具等。娴熟运用道具，可增加舞蹈形式的美感。由于舞蹈道具是舞蹈表现的重要辅助工具，它的制作和运用要符合舞台美学要求，要简洁、美化、形象化，道具美和服装美都有着“异具同工”之妙。

(五)音乐美

现代舞蹈表演的伴奏音乐都是电子音乐，由于音乐制作软件的空前发达，制作出来的舞蹈伴奏音乐，更加适合于舞蹈表演，美感效果更加突出，制作者的水平也越来越高，使舞蹈伴音乐进入一个崭新的时代。当下由于商业气息的浓厚，再加上制作者的水平良莠不齐，急功近利、粗制滥造的舞蹈伴奏音乐也有不少。高水平的舞蹈表演需要高水平的舞蹈伴奏音乐，只有两者相得益彰，“好马配好鞍”，才能真正体现出舞蹈伴奏音乐的审美效应。

(六)舞台美

舞台美主要是指舞台布景和舞台灯光。我们通常所说的“舞美”实际就是舞台美术设计，包括舞台背景的设计、天幕、侧幕的设计、前台的设计、大小型舞台道具的设计。舞台灯光由于档次不同效果也不同，这是客观因素，灯光效果的实现还要靠灯光师的调控，这是人为因素，两种因素都会影响舞台灯光美学效果。

㈩ 哪些职业属于艺术类

1、舞蹈演员

舞蹈演员，是中华人民共和国职业之一。中华人民共和国人力资源和社会保障部颁布。为第二大类专业技术人员，第十中类文化艺术工作人员，第三小类演员下的第三细类具体职称。

2、电影演员

电影演员是借由演出电影而成名的电影明星，早期杰出电影演员并没有太大的知名度，也很少使用真名，于是电影片商使用了明星(Star)此字来捧红他们，创造与其他普通的电影演员不同的地位。

3、音乐家

音乐家,是个广泛的名词,简明地说,就是专注于音乐领域中的艺术家。它包括全世界创作音乐和演奏音乐的人。唱歌的人也算是音乐家,但他们有特别的称呼是歌唱家。也可以说是一种专门从事音乐活动,给人带来精神上美的享受的成功的人

4、画家

画家是指专精绘画(如图画、图案)的人，是专门从事绘画创作与研究的绘画艺术工作者，包括中国画、油画、水粉画、水彩画、油彩画、漆画等绘画艺术类的创作者。以国别分类，如国画家、西洋画家。

5、书法家

书法家是擅长书法的人，是具有汉字书写能力，并能将其推至艺术高度的人。简单来说就是以书法为主要创作的艺术家，或者说是精通书法的人。如王羲之，其代表作为《兰亭序》;颜真卿，其代表作为《祭侄文稿》;米芾，其代表作为《蜀素帖》。

6、记者

从事信息采集和新闻报道工作的人通常称为记者，记者属于一种职业。采访，媒体信息的采集和收集方式，通常通过记者和被获取信息的对象面对面交流。新闻机构中从事采访报道的专业人员称为记者。16世纪，意大利港口城市威尼斯出现了资本主义萌芽。

那里的商人和手工业者急需了解商品原料产地、销售市场以及有关交通、政治、军事等情况，于是有些人就以采集和出售政治和宗教消息、商业行情、航船行期等新闻为专门职业，成为早期的新闻记者。